Elsa Schiaparelli nasce in una famiglia benestante a Roma, si trasferì dopo a New York e poi a Parigi, dove aprì la sua prima boutique nel 1927. Senza formazione accademica nel campo della moda, si distinse per la sua visione unica e per l’approccio anticonformista.

Tra le sue creazioni più iconiche figurano l’abito aragosta (1937), un abito in organza con un’aragosta ricamata, simbolo di sensualità e provocazione, e il cappello-scarpa, un accessorio stravagante che sfidava le convenzioni del tempo.

Le innovazioni più significative di Schiaparelli includono l’impiego della cerniera come dettaglio ornamentale, la creazione del costume intero con reggiseno integrato e la jupe-culotte, una gonna-pantalone che metteva in discussione le convenzioni di genere.

Dopo aver chiuso la sua maison nel 1954, Schiaparelli si ritirò in Tunisia. La sua eredità è stata celebrata in mostre come “Shocking! The Surreal World of Elsa Schiaparelli” al Musée des Arts Décoratifs di Parigi, che ha esplorato la sua fusione tra arte e moda del ‘900.

Chi era Elsa Schiaparelli?

Elsa Schiaparelli è stata una delle stiliste più innovative e influenti del XX secolo, nota per il suo spirito audace, le creazioni artistiche e l’approccio visionario alla moda. 

Nata a Roma in una famiglia aristocratica e colta, Schiaparelli portava con sé un’eredità intellettuale che avrebbe poi influenzato profondamente il suo lavoro creativo.

Schiaparelli si trasferisce a Parigi negli anni ‘20 e presto inizia a conquistare la scena della moda grazie a uno stile originale, spesso surreale e provocatorio. 

Un po di storia su Elsa Schiaparelli

Elsa Schiaparelli è considerata una delle più influenti figure della moda nel periodo tra le due guerre mondiali. Cresciuta in una famiglia ricca di stimoli culturali, studia filosofia sognando di diventare poetessa nonostante la contrarietà dei genitori, che per soffocare le sue ambizioni decidono di mandarla in un convento in Svizzera.

Dopo un matrimonio fallito e diverse esperienze nel campo del commercio dell’arte, Elsa Schiaparelli si trasferisce a New York dove inizia a frequentare gli stilisti dell’avanguardia dadaista. 

Trasferitasi in seguito a Parigi viene riconosciuta dallo stilista Paul Poiret, di cui diventa allieva, per poi intraprendere una carriera personale, fino ad arrivare negli anni ‘30 ad avere 400 sarte come dipendenti nella sua maison parigina.

Gioventù e inizi nell’arte

Elsa Schiaparelli nasce a Roma il 10 settembre 1890, in una famiglia aristocratica e intellettuale. Suo padre era un orientalista, sua madre apparteneva all’antica nobiltà napoletana.

Fin da giovane, Elsa mostra una personalità ribelle e creativa, affascinata tanto dalla bellezza classica quanto dall’insolito e dal bizzarro.

Si trasferisce a Londra in gioventù, dove frequenta ambienti bohemien e conosce il conte Wilhelm de Wendt de Kerlor, che sposa nel 1914. Dopo la fine del matrimonio, si stabilisce a Parigi negli anni ’20. È qui che la sua passione per l’arte d’avanguardia, il dadaismo e il surrealismo trova piena espressione.

Inizia a frequentare ambienti artistici animati da figure come Jean Cocteau, Man Ray e Salvador Dalí che saranno fondamentali per la sua visione della moda.

Primo successo nella moda

Il debutto di Elsa Schiaparelli nel mondo della moda arriva nel 1927 con una collezione di maglioni di lana decorati con motivi trompe-l’œil (illusioni ottiche): il più celebre è quello con un fiocco disegnato, che diventa immediatamente un successo.

Questi capi, prodotti con tecniche innovative in collaborazione con artigiani armeni, segnano l’inizio della sua ascesa nel panorama parigino.

L’anno seguente fonda la sua prima maison: Schiaparelli – Pour le Sport, con abiti dedicati allo sport e al tempo libero. Ma è con le collezioni successive, più artistiche e concettuali, che Schiaparelli si distingue radicalmente da tutte le altre stiliste del tempo.

Espansione globale

Negli anni ’30, Schiaparelli è ormai una figura centrale nella moda internazionale. Le sue collezioni si fanno sempre più audaci e spettacolari, spesso ispirate al mondo onirico del surrealismo. Tra i capi più iconici nati in questo possiamo trovare:

• L’abito aragosta (realizzato con Salvador Dalí);
• Il cappello a forma di scarpa;
• L’abito scheletro;
• Il profumo Shocking, la cui boccetta imita le curve di Mae West.

Durante questo periodo, Elsa veste le donne più influenti dell’epoca: da Wallis Simpson a Katharine Hepburn, da Marlene Dietrich a Greta Garbo. In seguito, espande la sua attività aprendo due boutique, una a Londra e l’altra a New York.

Consacrazione della maison

Durante gli anni ’30 e primi ’40, la Maison Schiaparelli è all’apice della sua fama: le sue sfilate diventano eventi spettacolari e teatrali, anticipando di decenni la moda come performance. 

Tuttavia, la Seconda guerra mondiale segna un rallentamento dell’attività e, nel 1954, Schiaparelli decide di chiudere la maison, lo stesso anno in cui anche Coco Chanel rientra ufficialmente nella moda.

Sebbene si ritiri dalle scene, il suo impatto rimane indelebile. Dopo decenni di silenzio, la maison Schiaparelli è stata rilanciata nel XXI secolo, mantenendo vivo lo spirito innovativo e artistico della sua fondatrice.

Oggi è uno dei nomi più acclamati della haute couture, con collezioni che rendono omaggio alla sua eredità visionaria.

Rinascita e muse moderne

Dopo decenni di silenzio, la maison Schiaparelli è ufficialmente rinata nel 2012, grazie al rilancio voluto dal gruppo Todor, proprietario del marchio. La sfida era grande: riportare in vita l’eredità di una stilista così audace e rivoluzionaria senza trasformarla in un’imitazione del passato.

La vera svolta arriva nel 2019, con la nomina dello stilista Daniel Roseberry come direttore creativo. Giovane, americano e con una forte inclinazione artistica. 

Roseberry ha saputo interpretare perfettamente lo spirito di Elsa: ha trasformato ogni collezione in un’ode al surrealismo, all’artigianalità e al teatro della moda. 

Le sue creazioni sono spesso scultoree, provocatorie, cariche di simbolismo e realizzate con una cura quasi maniacale per i dettagli.

Il rapporto tra Elsa Schiaparelli e Coco Chanel 

Nel panorama della moda parigina degli anni ’30, due nomi dominavano la scena: Coco Chanel ed Elsa Schiaparelli. Entrambe rivoluzionarie, ma profondamente diverse. E, secondo molte testimonianze, anche acerrime rivali.

Coco Chanel incarnava l’eleganza funzionale, il rigore della linea, il lusso discreto. I suoi abiti erano essenziali, pratici, pensati per la donna moderna e indipendente. 

Elsa Schiaparelli, al contrario, era il volto della moda come arte: surreale, teatrale, concettuale. Se Chanel vestiva per la vita reale, Schiaparelli vestiva per i sogni. La rivalità tra le due era nota anche pubblicamente.

Chanel chiamava Schiaparelli con tono sprezzante “quella stilista italiana” o peggio “l’artista che fa vestiti”, per sottolineare quanto la considerasse distante dalla “vera moda”.

Ma nonostante i toni amari, la competizione tra le due spinse entrambe a superarsi. Chanel rese la moda più accessibile e moderna. Schiaparelli, con la sua creatività senza confini, portò nella moda l’idea che un abito potesse anche essere una dichiarazione artistica e intellettuale.

La loro storia incarna due visioni opposte, ma entrambe essenziali, della femminilità e del potere dell’abito: per Chanel, “Less is more”; per Schiaparelli, invece, “More is magic”.

Oggi, entrambe sono considerate icone assolute e continuano a ispirare stilisti, artisti e creativi in tutto il mondo.

Per chi disegnava Elsa Schiaparelli?

Elsa Schiaparelli non si limitava a disegnare abiti: costruiva identità, esprimeva concetti, dava forma a immaginari. Le sue creazioni erano pensate per donne coraggiose, anticonformiste e brillanti. 

Non puntava a conquistare il gusto di tutti, ma a dialogare con chi sapeva comunicare attraverso il corpo con uno stile ben determinato.

Elsa Schiaparelli pensava alla moda come a un mezzo di espressione personale e come a un’estensione dell’arte. I suoi abiti erano intellettuali e simbolici, progettati per chi non temeva di farsi notare. 

In un’epoca dominata da modelli femminili più convenzionali, lei parlava alle donne fuori dal coro: indipendenti, colte, con un gusto per il bizzarro e il sofisticato.

Tra le sue muse e clienti più celebri troviamo tre icone assolute del cinema hollywoodiano:

Marlene Dietrich 

Celebre per il suo stile androgino e magnetico, Marlene era molto attratta dai capi strutturati e teatrali di Schiaparelli, che esaltavano il suo fascino misterioso e anticonformista.

Katharine Hepburn 

Donna indipendente e dallo stile deciso, trovava nelle creazioni di Schiaparelli un equilibrio perfetto tra eleganza intellettuale e libertà. Era attratta dalla funzionalità artistica dei suoi abiti.

Lauren Bacall

Raffinata e sicura di sé, incarnava una femminilità sofisticata e forte. I capi di Schiaparelli, con la loro aura di glamour e potere, si adattavano perfettamente alla sua presenza scenica.

Elsa Schiaparelli e il rosa shocking

Tra le tante invenzioni rivoluzionarie di Elsa Schiaparelli, nessuna è forse più riconoscibile del “Shocking Pink”: si tratta di un colore rosa fucsia acceso, vibrante, quasi violento. Non era un semplice colore, ma un atto di rottura, una dichiarazione visiva potente, una firma che gridava originalità.

Elsa Schiaparelli introdusse questo colore nel 1937, ispirandosi a una pietra preziosa che apparteneva alla collezione di una sua amica collezionista d’arte. Quando vide quel rosa intenso, scrisse: “Shocking! Un colore fatto per la vita, per la luce, per le persone che non hanno paura.”

Il rosa shocking divenne il simbolo della sua maison e fu usato per confezionare:

• Le confezioni del celebre profumo Shocking;
• La carta intestata della maison;
• Alcuni tra i suoi capi e accessori più iconici.

Il rosa come provocazione

In un’epoca in cui i colori della moda femminile erano dominati da tonalità neutre o pastello, Elsa trasformò il rosa in una sfida visiva e culturale. Non era il rosa delicato associato all’infanzia o alla dolcezza, ma un rosa adulto, carico, sensuale, potente. Un rosa che urlava, non sussurrava.

Con il rosa shocking, Schiaparelli seppe dare voce visiva alla donna moderna, audace e indipendente. Era un colore che rappresentava perfettamente il suo approccio alla moda: libero, artistico, provocatorio.

Qual è stato il design più famoso di Elsa Schiaparelli?

Il design più iconico di Elsa Schiaparelli è l’abito con la stampa di un’aragosta, realizzato nel 1937 in collaborazione con Salvador Dalí.

Questo capo è considerato il simbolo per eccellenza della sua visione: un perfetto connubio tra moda e arte, dove il surrealismo diventa linguaggio espressivo e la provocazione si trasforma in stile.

Si tratta di un capo da sera in organza bianca con una stampa centrale raffigurante un enorme aragosta rossa, disegnata da Dalí.

L’aragosta era collocata strategicamente sulla gonna, in una posizione che suggeriva ironia e sensualità, ma anche tensione psicologica. Il disegno fu realizzato a mano su tessuto da un artigiano e applicato con grande precisione.

Qual era il rapporto tra Elsa Schiaparelli e la tecnologia?

Elsa Schiaparelli fu una delle prime stiliste a intuire il potenziale della tecnologia applicata alla moda, in un’epoca in cui il concetto stesso era del tutto inusuale. Inoltre, non era solo una stilista, ma una pioniera. Il suo approccio alla moda era sperimentale, concettuale e aperto alle novità tecniche. 

Per lei, la tecnologia non era un limite, ma uno strumento creativo per spingersi oltre l’ordinario.

Elsa Schiaparelli non temeva la modernità, anzi: la corteggiava. Per lei, la tecnologia non doveva nascondere l’arte, ma esaltarla. Il suo pensiero anticipava quello di molti stilisti contemporanei che oggi fondono moda, scienza e innovazione.

Esempi della sua rivoluzione

Negli anni ’30, Schiaparelli fu tra le prime a usare le cerniere lampo (zip) non solo come chiusura funzionale, ma come elemento decorativo visibile.

A quei tempi, la zip era considerata volgare e doveva essere nascosta. Lei, invece, la fece diventare un segno di modernità e avanguardia.

Schiaparelli collaborò con scienziati e artigiani tessili per sviluppare nuovi materiali come:

• Tessuti sintetici (come il rayon);
• Fibre metallizzate;
• Materiali plastici per bottoni e accessori.

Ricami realizzati con tecniche industriali che simulavano effetti pittorici o illusionistici.

Lasciati ispirare da Elsa Schiaparelli e crea con eccellenza!

Elsa Schiaparelli non ha semplicemente creato moda. Ha inventato un linguaggio visivo nuovo, in cui ogni abito raccontava una storia, ogni colore rompeva una regola, ogni dettaglio sfidava la normalità. 

Il suo genio ha unito arte, provocazione, tecnica e sogno, lasciando un’eredità che ancora oggi ispira stilisti, artisti e creativi di tutto il mondo.

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FAQ

I colori sono un mezzo per esprimere la personalità, con il potere di cambiare persino l’umore di chi li indossa.

Per questo è molto importante padroneggiare il concetto di cerchio cromatico e utilizzarlo a favore delle tue collezioni. Il cerchio cromatico consente di generare infinite combinazioni di colori per esprimere i messaggi che vuoi inviare con i tuoi abiti.

Scopri di più sul cerchio cromatico e su come questo strumento può ispirare il prossimo lancio dei tuoi capi.

Buona lettura!

Che cos’è il cerchio cromatico?

Il cerchio cromatico, conosciuto anche come ruota dei colori, è la rappresentazione dei colori primari, secondari e terziari e delle loro variazioni.

Il cerchio è diviso in 12 parti, come una pizza, partendo dal rosso, passando per i colori dell’arcobaleno (arancione, giallo, verde, blu e blu indaco) e terminando con il viola.

Oltre che nella moda, il cerchio dei colori viene utilizzato in diversi settori, come la decorazione e il design grafico, rendendo più semplice – e molto facile – la scelta di colori che si abbinano tra loro o che creano un contrasto, quando questa è l’intenzione.

Storia della ruota dei colori

Il responsabile della creazione della ruota dei colori è Isaac Newton, che nel XVII secolo fece una scoperta rivoluzionaria.

I colori, contrariamente a quanto si pensava, non erano variazioni del colore bianco, ma parti di esso. Così, Newton definì questi colori (quelli che fanno parte dell’arcobaleno) come colori fondamentali, in analogia con le sette note musicali.

Inoltre, lo scienziato ruppe il sistema lineare dei colori, che aveva le caratteristiche del chiaro e dello scuro, per organizzarli in un cerchio, secondo il loro passaggio dal rosso al viola.

Questo significa che i colori possono essere infinite miscele e variazioni di altri, sempre con una nuova tonalità che ancora non conosciamo.

Questo, tra l’altro, è il lavoro di molti artisti: sviluppare un colore totalmente nuovo – almeno ai nostri occhi!

Scopri di più: Come creare una cartella colori per elevare la tua collezione di abbigliamento

A cosa serve il cerchio cromatico?

Come ogni forma di rappresentazione, il cerchio cromatico ha lo scopo di rendere visivo lo schema dei colori e le relazioni che essi stabiliscono tra loro. In altre parole, osservare il sistema da una nuova prospettiva e ampliare le possibilità di combinazione.

Inoltre, la rappresentazione cromatica è indispensabile anche per i professionisti che si occupano direttamente di design, decorazione, moda e altri settori che dipendono dall’influenza dei colori.

Nel segmento della moda, i colori giocano un ruolo fondamentale nella composizione delle collezioni, dei look e dicono molto sullo stile di ogni consumatore.

I colori del cerchio cromatico

Le 12 parti del cerchio cromatico si dividono in tre colori primari, tre colori secondari e sei colori terziari, tutti situati ai bordi del cerchio.

Un colore terziario si forma mescolando in parti uguali un colore primario e uno secondario. Il colore secondario, invece, deriva dalla mescolanza in parti uguali di due colori primari. I colori primari, invece, non derivano dalla mescolanza di altri colori (sono detti puri).

Vuoi sapere di più su ciascuna di queste classificazioni? Ecco qui una spiegazione:

Colori primari

Sono i colori di base. Tutti gli altri colori nascono a partire da essi, sia da miscele dirette che indirette. I colori primari sono il rosso, il giallo e il blu, che si trovano al centro del cerchio cromatico.

Colori secondari

Derivati dalla combinazione di due colori primari, i colori secondari sono il viola (rosso + blu), il verde (giallo + blu) e l’arancione (rosso + giallo). Sulla ruota dei colori si trovano accanto ai colori primari.

Colori terziari

Nascono da miscele di colori secondari e contengono quindi anche i colori primari. I sei colori terziari della ruota dei colori sono: rosso-arancio, giallo-arancio, giallo-verde, verde-blu, blu-viola e rosso-viola.

Come applicare le combinazioni del cerchio cromatico nelle collezioni di moda?

Ora che conoscete i colori principali della ruota dei colori, è il momento di provare a creare combinazioni tra di loro per formare composizioni di look.

È importante distinguere la combinazione dei colori del cerchio cromatico tra loro (primari, secondari, terziari, ecc.) dalla combinazione tra colori, detta anche abbinamento.

La maggior parte delle collezioni di moda utilizza questi concetti nelle proprie composizioni. È quindi importante che sappiate come applicarli.

Segui i suggerimenti che seguono per un migliore sviluppo dei tuoi capi:

1. Usa la creatività a tuo vantaggio

A prescindere dall’armonia, non è necessario combinare solo colori della stessa tonalità, come i toni pastello o i toni vivaci.

È possibile mescolare tutte le caratteristiche e usare la propria creatività, magari aggiungendo anche elementi in colori neutri, che non fanno parte del cerchio cromatico, per un look equilibrato.

Scopri di più: Stili di moda: qual è il tuo?

2. Prova ad aggiungere tonalità, tessuti e materiali

Provare diverse composizioni di colori aiuta a creare la tavolozza della collezione.

La sperimentazione aiuta a valutare le tonalità utilizzate, la luminosità e la saturazione, consentendo di individuare se due o più colori si abbinano tra loro e come dialogano con altri tipi di tessuti e materiali prima della tintura.

Scopri di più: Il significato del colore verde nell’arredamento e nella moda

3. Considera tutti gli elementi della collezione

Quando si scelgono i colori per la propria collezione, è importante osservare alcuni elementi per avere una visione complessiva.

Nel definire i colori della collezione, tieni sempre presente il tuo pubblico di riferimento, perché è lui che indosserà i capi. Non ha senso, quindi, investire in capi dai colori neon per un pubblico dallo stile più classico, ad esempio.

Inoltre, bisogna considerare il concetto della collezione e il periodo dell’anno in cui verrà lanciata. Stagioni come la primavera e l’estate richiedono colori più vivaci e brillanti, mentre l’autunno e l’inverno sono caratterizzati da colori più sobri.

Scopri di più: Scopri i termini più rilevanti nel settore fashion con il dizionario di moda

4. Considera le specificità di ogni segmento

Ogni segmento della moda può essere associato a colori più specifici.

Un esempio è quello dei pigiami e delle camicie da notte. Per questi ultimi è comune investire in tonalità pastello, perché sono colori che emanano tranquillità e calma per un buon sonno.

Per una collezione di abiti destinati a chi pratica esercizi fisici, invece, di solito si utilizzano colori più vivaci, che trasmettono energia.

Mentre per una collezione più incentrata su capi sartoriali, i colori più sobri hanno di solito un risultato migliore.

Scopri di più: Big Data: cosa sono e che ruolo possono avere nelle confezioni

Applica il cerchio cromatico e personalizza i tuoi colori con Audaces Isa

La tecnologia può aiutarti a prendere decisioni più efficaci per la tua azienda di abbigliamento e Audaces Isa è una delle soluzioni che fanno parte di questo movimento.

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Con l’aiuto del nostro Fashion PLM, è possibile:

• Semplificare la pianificazione creando mappe visive della collezione;
• Definire tappe chiare in modo che tutto il team segua lo stesso obiettivo;
• Anticipare i costi e accelerare l’approvazione della collezione;
• Tracciare la fase di ogni modello, migliorando il flusso di lavoro;
• Creare uno storico dei modelli già sviluppati;
• Riutilizzare i modelli come base per la pianificazione delle collezioni successive;
• Visualizzare i report basati sulle informazioni relative ai tuoi capi.

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FAQ

Per sviluppare il lancio di una collezione in modo accattivante, è fondamentale guardare oltre le tendenze. La selezione di una cartella colori alla moda è un fattore chiave e le tonalità e i disegni devono essere considerati prima di creare il concept della collezione di abbigliamento.

La cartella colori, inoltre, è in grado di fornire ispirazione e di fungere da punto di partenza. Oggi siamo qui per aiutarti a riconoscere l’importanza della cartella colori nella moda e come può migliorare l’impatto visivo dei tuoi progetti, stabilendo un’estetica coerente.

Dai un’occhiata qui sotto per saperne di più!

Cos’è una cartella colori nella moda?

Una cartella colori aiuta a creare un look coerente e unificato all’interno di una collezione di moda.

I toni scelti con cura dovrebbero essere selezionati per completare il tema, i capi e le stampe, trasmettendo in definitiva la personalità desiderata del marchio.

La cartella colori e le sue combinazioni

La ruota dei colori comprende tutte le tonalità esistenti, che possono essere classificate come colori primari, secondari e terziari, nonché toni freddi e caldi.

Nel contesto della moda, l’uso strategico delle combinazioni di colori può creare un’estetica piacevole e armoniosa. Questa pratica è chiamata corrispondenza dei colori.

Alcune combinazioni popolari includono colori complementari, colori analoghi e toni monocromatici. Scopri di più sui principali qui sotto!

Combinazione monocromatica

Una combinazione monocromatica è una miscela armoniosa di varie tonalità appartenenti alla stessa famiglia di colori. Questo tipo di combinazione di colori è uno dei più esteticamente gradevoli e utilizza le stesse tonalità sulla ruota dei colori.

Combinazione analoga

Questa combinazione è un po’ più audace, mescolando due tonalità adiacenti sulla ruota dei colori e creando una tonalità analoga. Questo abbinamento di toni vicini evoca un aspetto audace ma armonioso.

Combinazione complementare

La combinazione complementare abbina due colori opposti e contrastanti nella ruota dei colori. Questa combinazione ha scatenato la popolare tendenza del blocco dei colori.

Combinazione di triade

Questa combinazione di triade crea un triangolo vibrante. Vengono utilizzati tre toni equidistanti all’interno della ruota dei colori, conferendo un aspetto luminoso ma equilibrato al tuo ensemble.

Scopri di più: Cerchio cromatico: come usare e abusare delle combinazioni di colori nei look

Quanto è importante stabilire una cartella colori nella tua collezione?

I colori, le stampe e i disegni dei capi di abbigliamento sono gli elementi costitutivi di una collezione di moda e permettono di trasmettere la sua narrazione e la sua personalità.

Stabilire una palette di colori aiuta a rafforzare l’identità del marchio e il concetto della collezione, senza perdere la sua essenza.

Inoltre, le tonalità vivaci e le sfumature complementari conferiscono energia alla collezione e mettono in risalto una varietà di tonalità di pelle.

Tutte le creazioni che fanno riferimento alla collezione, dagli espositori nelle vetrine ai post sui social media, devono aderire allo schema di colori.

Questo perché, quando i clienti guardano la collezione, devono riconoscerla immediatamente e collegarla al messaggio che volete comunicare.

Dopo tutto, la moda e il colore si combinano per creare un linguaggio potente.

Scopri di più: Tessuto corretto per l’abbigliamento: scopri quali sono i migliori tessuti per ogni capo

Come creare una cartella colori per la tua collezione?

Due donne e un uomo lavorano in un ufficio moda per valutare come creare una cartella colori per una collezione di abbigliamento

Tipicamente, una tavolozza comprende otto colori, con quattro toni freddi e quattro toni caldi.

Vanno considerati anche i colori neutri, dove il bianco è la somma di tutti i colori e il nero rappresenta l’assenza di colore.

Quando selezioni i colori per la tua cartella, la preoccupazione principale è assicurarti che possano essere combinati in modo piacevole e armonioso.

Questo perché la tua collezione dovrebbe avere una gamma di accenti e toni tenui.

I toni vivaci vengono utilizzati nei dettagli, come stampe, ritagli e finiture per evidenziare il prodotto.

I toni tenui, invece, sono utilizzati in elementi più basilari del design, come le parti più ampie del modello e della fodera.

Scopri di più: Quali saranno le tendenze primavera estate 2023?

1. Sperimenta e definisci la tua tavolozza

Uno dei primi compiti che devi svolgere quando inizi una collezione di moda è esplorare e perfezionare la tua tavolozza di colori.

Cogli l’occasione per sperimentare una vasta gamma di tessuti, materiali e trame che potresti voler incorporare nella tua linea di abbigliamento.

È anche importante valutare la combinazione di colori tenendo presente il pubblico di riferimento. Sperimenta, analizza e valuta i colori e guarda come si uniscono.

2. Esamina le tabelle dei colori di stagione

Esamina le tabelle dei colori stagionali per identificare le tonalità che completano le tonalità della pelle del tuo pubblico.

Inizialmente, la tavolozza dei colori stagionali era suddivisa in quattro categorie: primavera, estate, autunno e inverno.

Tuttavia, a causa della maggiore diversità di tonalità della pelle in tutto il mondo, la tavolozza si è ampliata per includere ulteriori variazioni come la temperatura e l’intensità.

Quando selezioni la tua combinazione di colori, prendi in considerazione questi fattori per assicurarti che tutti i tuoi clienti siano rappresentati e valorizzati.

3. Colori principali e secondari

Affinché la tua cartella colori della moda sia coerente, devi definire i colori principali e di supporto. Quindi, dovresti classificarli in due sezioni distinte: i colori primari e secondari.

Le tonalità primarie costituiranno il nucleo della collezione e forniranno una base stabile. Al contrario, i colori secondari appariranno in accenti e dettagli (come ritagli, stampe e finiture) per migliorare l’aspetto generale.

4. Testare i colori sui tessuti

Effettuare prove di colore sui tessuti è una fase fondamentale del processo di progettazione, poiché non tutte le combinazioni di colori funzionano bene insieme.

In questo modo, è possibile valutare se lo schema di colori immaginato è complementare alla selezione dei tessuti e se si armonizzano perfettamente per creare l’effetto desiderato per la collezione.

Scopri di più: Scopri come scegliere il miglior nome per la tua collezione di abbigliamento

Dove trovare ispirazione per la tua cartella colori?

Cercare fonti di ispirazione affidabili è fantastico per trovare idee innovative per la tua collezione.

Oltre alle aziende affermate come Pantone, che rilascia il colore dell’anno, ci sono molte altre fonti da esplorare per stare al passo con le tendenze attuali e applicarle al tuo design.

Per rimanere informato sulle preferenze dei consumatori, tieni d’occhio piattaforme come Pinterest e i report WGSN.

Mostre culturali, sfilate di moda e blog di moda sono anche ottime fonti di ispirazione che possono aiutarti a sviluppare una cartella colori di tendenza.

Le soluzioni Audaces possono aiutarti a sviluppare la tua cartella colori

Se vuoi mettere insieme una cartella colori ben curata per la tua collezione di abbigliamento, Audaces ti fornisce il software ideale per aiutarti!

Sfruttando le soluzioni complete di Audaces, potrai selezionare le tonalità più armoniose per integrare il concept del tuo marchio con le aspettative dei clienti, ottenendo risultati ottimali per la tua attività.

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Grazie ad essa, avrai a disposizione una soluzione potente per superare le principali sfide del settore moda, garantendo risultati di successo fin dall’inizio della tua collezione.

La tecnologia Audaces aumenta le prestazioni della confezione migliorando la praticità e l’efficienza dei tempi di consegna. 

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Fornisce una serie di funzioni che assicurano l’esecuzione del cronogramma della tua collezione al momento giusto, consentendoti di prendere decisioni più accurate e informate.

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Audaces Fashion Studio è un software avanzato che lavora un ambiente 3D e ti aiuta a creare disegni di moda straordinari.  

Oltre a semplificare il processo di schizzo, facendoti risparmiare tempo e fatica, questa soluzione facilita l’integrazione delle fasi creative e produttive, consentendoti di dare vita alle tua idee in modo efficiente.

Conclusione  

Creare una cartella colori per la tua collezione di abbigliamento ti permette di analizzare l’interazione tra le tonalità e la loro complementarità.

Questo non solo ti aiuta a comunicare la qualità della tua collezione, ma rafforza anche l’identità e l’energia del tuo marchio.

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